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Friday 26 October 2018 — Saturday 10 November 2018

Interfinity Mark di Radim Peško

Sono sveglio o sto sognando?

Inaugurazione con Radim Peško

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Un’intervista con Loredana Bontempi ed Emanuele Bonetti sull’aprire una galleria, esporre progetti di grafica, l’educazione al design, il futuro e pecore elettriche.

Sulla galleria

Radim Peško: Vi andrebbe di presentare Belli Gallery?

Loredana Bontempi ed Emanuele Bonetti: Belli è la prima galleria di graphic design a Milano, attualmente situata in un ex negozio di strumenti musicali, poi ristorante fast food. È un progetto curatoriale di Parco Studio, uno studio di graphic design con sede a Milano che abbiamo fondato nel 2010. Parco Studio opera tra la grafica tradizionale e le nuove tecnologie, e lavora sia su commissione che su progetti auto-iniziati.

RP: Perché chiamarla ‘Belli’?

LB&EB: “Belli”, inteso come plurale di “bello”, è nato dall’idea di mostrare semplicemente cose belle. Ci è piaciuta anche l’idea di estremizzare la superficie del graphic design, come atto provocatorio per riflettere sul ruolo del contenuto.

RP: Quali sono state le principali motivazioni che vi hanno spinto ad aprire una galleria?

LB&EB: L’abbiamo fatto per avere un legame più forte con il pubblico, oltre che per incoraggiare un rapporto diretto con altri designer qui a Milano. È ancora purtroppo raro qui vedere mostre di design grafico, specialmente con un focus sulla contemporaneità. Tolta l’illustrazione, la fotografia e i grandi maestri che hanno fatto la storia della grafica in Italia, non resta molto. Allo stesso tempo, Milano è associata all’arredamento e al design della moda, quindi ci piace l’idea di aggiungere anche la voce “grafica”. In generale, il legame tra il design grafico e la vita di tutti i giorni è molto importante per noi, così come il collegamento della pratica con la politica, il comportamento e le esigenze della società. Abbiamo sempre sognato uno spazio in cui tutti potessero entrare e parlare della grafica e di ciò che la circonda. Vogliamo che Belli diventi il luogo di discussione sulla grafica, il suo significato e il suo ruolo, evitando i luoghi comuni. Vogliamo essere felici e guardare cose fantastiche!

RP: Quanto è importante per voi il contesto di Milano, o dell’Italia?

LB&EB: Le due frasi che usiamo per descrivere la nostra galleria sono “Scavare nelle pratiche internazionali. Amare la rete che ti circonda.”, quindi vogliamo portare le esperienze internazionali per noi più rilevanti e condividerle con la comunità locale.

RP: Come si sostiene questa attività?

LB&EB: Ora stiamo utilizzando parte delle entrate di Parco Studio per coprire le spese di Belli. Speriamo che un giorno Belli diventi indipendente e possa cavarsela da sola.

RP: Come selezionate i designer e gli autori da esporre in galleria?

LB&EB: Invitiamo designer che catturano la nostra attenzione, la cui pratica consideriamo importante per comprendere la scena del design grafico contemporaneo. Il nostro pubblico è composto principalmente da grafici e studenti, ma desideriamo aprirlo chiunque sia curioso.

RP: Descrivetemi il vostro programma.

LB&EB: Le mostre (da tre a cinque all’anno) sono la spina dorsale del nostro calendario. Per ogni mostra invitiamo un ospite (singolo professionista o studio, per lo più dall’estero) e insieme discutiamo della mostra nella cornice del visual design contemporaneo. Potrebbe trattarsi di una mostra di lavori commerciali, o di un progetto realizzato appositamente per la galleria. Altrettanto importanti per le mostre sono le presentazioni che i nostri ospiti tengono all’inaugurazione, dove spiegano il processo e le idee alla base dei progetti. Oltre alle mostre organizziamo anche eventi flash incentrati su temi che ci stanno a cuore. E parallelamente al programma della galleria gestiamo una piccola libreria aperta tre giorni alla settimana con una selezione di riviste e libri internazionali.

Sull’esporre lavori di design

RP: Esporre lavori di grafica in un contesto di galleria è un argomento abbastanza dibattuto all’interno della pratica del designer, e il lavoro stesso che si espone è parecchio diverso da ciò che si considera ‘arte’. Qual è la vostra opinione in merito?

LB&EB: Forse per rispondere a questa domanda dovremmo pensare al ruolo del graphic design, e non è un compito semplice! La grafica nasce per comunicare, stare per strada e nelle mani delle persone. Per noi l’annoso esame del confine tra graphic design e arte non è risolto, e ci piace mantenerlo tale.

RP: Quali sono le principali sfide che si incontrano nell’esporre opere di designer grafici?

LB&EB: La nostra prima mostra chiamata “Cellophane” consisteva nella raccolta di riferimenti visivi che abbiamo raccolto negli ultimi 10 anni: poster, cartoline, volantini e altre cose che abbiamo trovato nei bar, strade, musei da Tokyo a San Francisco, nelle città che abbiamo visitato o abitato. Lo diciamo perché per noi il graphic design è innanzitutto qualcosa di profondamente radicato nella vita di tutti i giorni, qualcosa con cui entriamo costantemente in contatto senza nemmeno accorgercene. Non pensiamo che il lavoro del graphic designer appartenga agli spazi della galleria, ma riteniamo che lo spazio della galleria possa essere il posto adatto per permetterci di fermarci a riflettere su questo. E per i designer stessi, allestire la mostra nello spazio della galleria potrebbe portare l’opportunità di esprimere un’opinione personale o di lavorare su argomenti che la propria pratica professionale non consentirebbe.

RP: Qual è la parte più problematica o impegnativa dell’allestire mostre in questo senso?

LB&EB: Non lo vediamo come problematico, ma sicuramente come una sfida; trattare con designer al di fuori del loro habitat naturale delle commissioni è probabilmente la più grande. Il design grafico è pensato per vivere nel “mondo reale”, quindi portarlo nello spazio della galleria spesso significa per il designer costruire un proprio contesto per farlo funzionare. Pensiamo che tale contesto (così come il contenuto ovviamente, ma quello è più facile da ottenere) sia una delle parti più importanti di un progetto. Il modo in cui noi (insieme all’ospite) decidiamo come esporre l’opera diventa parte attiva dell’opera. E capire come si comporta la grafica nel contesto della galleria è essa stessa una ricerca in corso.

Sull’educazione al design e le scuole

RP: Vista l’accessibilità degli strumenti digitali (computer, software, applicazioni, stampa rapida, …), quanto importante è per voi l’educazione al design e il ruolo delle scuole in questo?

LB&EB: Abbiamo avuto la possibilità di studiare in due posti molto diversi tra loro e provenienti da due tradizioni e approcci differenti: quello italiano e quello olandese. Saremmo designer completamente diversi senza quelle esperienze. Abbiamo anche insegnato in diverse scuole in Italia e crediamo che l’educazione al design sia fondamentale. Ma pensiamo che l’educazione al design non dovrebbe riguardare tanto gli strumenti e la tecnologia, quanto piuttosto il processo e le metodologie. Strumenti e software sono cose che puoi imparare da solo, la scuola dovrebbe essere un luogo in cui condividi la tua esperienza e fai crescere i tuoi pensieri.

RP: Dove andreste a studiare in Italia adesso?

LB&EB: Ci sono molte buone scuole in Italia, ma ne vogliamo citare tre: la Libera Università di Bolzano, l’ISIA di Urbino e il Politecnico di Milano. Il primo ha un’atmosfera molto internazionale, le lezioni sono in italiano, tedesco e inglese, e ha un approccio più europeo essendo il dipartimento di design insieme a quello artistico. Gli studenti lassù hanno anche ottime strutture e la scuola dà loro molta libertà di sperimentare in direzioni anche pazze. L’ISIA di Urbino è probabilmente il posto migliore dove andare se si vuole apprendere la tipografia e il design editoriale, avendo alcuni dei migliori insegnanti italiani e internazionali. Il Politecnico di Milano è una scuola di grande tradizione dove è possibile apprendere il design ei suoi concetti in senso più ampio.

RP: Partendo dalla vostra esperienza, cosa suggerireste a qualcuno che ha appena iniziato a studiare design?

LB&EB: Il nostro suggerimento sarebbe di non trascorrere cinque anni in un’unica università. Avere una laurea da qualche parte e una laurea magistrale da un’altra è un buon modo per conoscere diversi approcci al fine di sviluppare il proprio. O almeno ha funzionato per noi.

Sul futuro

RP: In che modo il digitale e i social media stanno cambiando il modo in cui vediamo il mondo?

LB&EB: Questa è una domanda molto difficile e non vogliamo sembrare vecchi e scontrosi. Da un lato pensiamo che i social network siano un buon modo per conoscere cosa sta succedendo dall’altra parte del mondo. D’altra parte pensiamo che stiamo consumando in massa notizie, immagini e input e sta diventando molto difficile concentrarsi e approfondire gli argomenti. La nostra generazione è cresciuta con l’idea che grazie a internet si potesse conoscere il mondo, forse anche la verità e – chissà – cambiare lo stato delle cose. Per molti, i social network sono spesso l’ultima tappa del viaggio, mentre noi li vediamo solo come l’innesco e l’inizio del processo.

RP: Come ha influito questo sul modo in cui guardate al design grafico?

LB&EB: Seguiamo molti lavori di graphic design nei nostri feed di Instagram. Vedere cosa fanno le persone a New York e a Seul può essere di grande ispirazione, ma come accennato in precedenza, c’è molto di più dietro il nostro progetto di galleria. Siamo più interessati ad ascoltare storie ed esperienze personali dagli autori stessi. Ci piace conoscere i contenuti, le loro idee e pensieri dietro determinate decisioni di design che ci possono aiutare a comprendere appieno il loro lavoro.

RP: Quale potrebbe essere il futuro della tipografia in una cultura prevalentemente dominata dall’immagine?

LB&EB: Nel 2006 Oliver Reichenstein ha affermato che il web design è per il 95% tipografia, e siamo ancora d’accordo con questo. Probabilmente è anche il motivo per cui ci sono così tanti marchi in questo momento che investono in caratteri tipografici personalizzati. La tipografia sta diventando un segno distintivo e pensiamo che anche le persone al di fuori degli ambienti del design stiano prendendo coscienza della sua importanza. D’altra parte – tornando ai social network – Facebook e Instagram stanno diventando sempre più severi riguardo alla tipografia e ti sconsigliano fortemente di utilizzare la tipografia sul materiale promozionale che vuoi pubblicare (ad esempio copertine di eventi, ecc.). Anche Spotify ha introdotto restrizioni sull’uso della tipografia sulle copertine degli album: sia il titolo che il nome dell’artista devono ora essere impostati in caratteri di dimensioni maggiori per essere pubblicati su Spotify…

RP: Se doveste scegliere una parola, forse anche una parola chiave, con cui descrivere il vostro interesse attuale per il design, o descrivere altri interessi particolari o osservazioni generali relative comunque al design—quale sarebbe?

LB&EB: Futuro.

RP: Infine, qual è la vostra domanda interfinita?

LB&EB: Gli androidi sognano pecore elettriche?

Radim Peško spiega: “L’interfinità consente agli opposti di coesistere. Una domanda di interfinità è una domanda che ha un numero infinito di risposte ma anche nessuna risposta. Si potrebbe dire che una domanda di interfinità è sempre più interessante della sua risposta; e, viceversa, che la risposta a una domanda interfinita è sempre più interessante della domanda stessa.”

“Interfinity Mark”, è un simbolo tipografico ideato e disegnato da Radim Peško. Può essere descritto come un segno di punteggiatura interrogativo formato dalla “sovrapposizione di un segno di infinito verticale (∞) con un punto interrogativo (?)”.

Radim Peško

Radim Peško è un designer, vive a Londra. Il suo lavoro si concentra sulla tipografia, sui caratteri tipografici e sul design editoriale, ma anche su mostre occasionali o progetti editoriali. È docente al Royal College of Art di Londra e all’ÉCAL di Losanna.

radimpesko.com

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